Читать онлайн От демки до концерта: Как стать популярным музыкантом бесплатно

В книге упоминаются социальные сети Instagram и/или Facebook – продукты компании Meta Platforms Inc., деятельность которой по реализации соответствующих продуктов на территории Российской Федерации запрещена как экстремистская.

Редакторы: Максим Ильяхов, Александра Селезнёва

Иллюстрации: Екатерины Курбановой и Александры Липовцевой

Главный редактор: Сергей Турко

Продюсер и руководитель проекта: Ольга Равданис

Дизайн обложки: Юрий Буга

Дизайн макета: Александра Селезнёва

Корректоры: Оксана Дьяченко, Мария Стимбирис

Верстка: Александра Селезнёва, Алексей Бохенек, Максим Поташкин

Все права защищены. Данная электронная книга предназначена исключительно для частного использования в личных (некоммерческих) целях. Электронная книга, ее части, фрагменты и элементы, включая текст, изображения и иное, не подлежат копированию и любому другому использованию без разрешения правообладателя. В частности, запрещено такое использование, в результате которого электронная книга, ее часть, фрагмент или элемент станут доступными ограниченному или неопределенному кругу лиц, в том числе посредством сети интернет, независимо от того, будет предоставляться доступ за плату или безвозмездно.

Копирование, воспроизведение и иное использование электронной книги, ее частей, фрагментов и элементов, выходящее за пределы частного использования в личных (некоммерческих) целях, без согласия правообладателя является незаконным и влечет уголовную, административную и гражданскую ответственность.

© Борис Суворов, 2024

© ООО «Альпина Паблишер», 2024

* * *

с чего начать и куда вложить ресурсы начинающему артисту

Что это за книга и для кого она

Представим, что человек мечтает писать музыку. Первые треки у него есть, но что дальше? Как сделать так, чтобы они попали в чарты или популярные плейлисты? Где найти первых фанатов и как их удержать? Как стать харизматичным персонажем, за которым интересно следить? На что лучше тратить деньги – на сведение в дорогой студии, продвижение, качественные фото или клипы? И вообще – можно ли зарабатывать на своей музыке?

Каждый день выходят тысячи новых треков, и из них вы послушаете один-два. Как сделать так, чтобы именно ваш трек оказался среди тех новинок, которые послушали? Можно рассчитывать на удачу, но лучше пробовать управлять этим процессом. Книга рассказывает, как это делать. В ней мы объясняем:

• как попасть в чарты;

• как искать фанбазу и увеличивать ее;

• на чем и как артист может заработать;

• как найти свою фишку, создать яркий образ, запомниться зрителям и удивить их;

• как лучше презентовать себя лейблам.

В этой книге вас ждут не только прикладные советы, но и наши размышления о профессиональном пути артиста и о сомнениях, которые с ним связаны. Мы понимаем, как непросто строить карьеру музыканта: ты почти как предприниматель, только успех в творчестве еще сложнее оценить в цифрах.

Кто написал эту книгу

Автор этой книги – Борис Суворов, основатель агентства UpSound. Оно уже 10 лет помогает талантливым ребятам пройти путь от пустого Instagram-аккаунта до больших сольных концертов. Сейчас UpSound – это большая команда, и многие кейсы в этой книге – результат коллективной работы. Поэтому дальше повествование будет идти не только от лица Бориса, а от всей команды UpSound.

Мы не раз видели, как начинающие артисты вырастали в серьезных музыкантов. Приходит маленькая группа из Чебоксар, постепенно появляются первые поклонники, соцсети растут, делаются совместные релизы с другими музыкантами, зовут выступать на концертах. Через пару лет встречаешь ребят случайно: они выступают в известном клубе. Говорят: «Да это уже маленькая для нас площадка».

Или бывает, человек всю жизнь писал песни как сонграйтер, а потом решил развиваться как артист и теперь выступает в «Арене». Таких историй много, так что мы уверены, что хорошее продвижение может здорово усилить любое творчество.

В книге мы постарались собрать весь наш опыт и организовать его в систему: с чего начать карьеру артиста, какие вопросы задать себе на старте и на что потратиться в первую очередь. Надеемся, вы сможете увидеть картинку целиком: как разные элементы продвижения работают все вместе и как одно связано с другим. Чтобы найти конкретные примеры для разных глав, мы подключали ребят из нашего агентства: таргетологов, продюсеров, дизайнеров. Так что все, что здесь описано, собрано на основе реального рабочего опыта.

Чтобы не говорить о нашем опыте голословно – вот с какими артистами работала наша команда:

• лейбл Velvet Music и его артисты – Звонкий, Ёлка, Мари Краймбрери, Burito, Владимир Пресняков (младший), Анна Плетнёва и другие. Помогали вести соцсети, продвигать релизы, концерты и туры.

• L'One, Рита Дакота, Тимур Родригез – вели соцсети, продвигали релизы и концерты.

• Сергей Жуков («Руки Вверх!»), Lovanda, Obrazkobra – продвижение релизов;

А также Dabro, Григорий Лепс, ChipaChip, и другие.

Если книга понравится, заходите на наш сайт – upsound.org: на нем будут появляться новые материалы.

зарабатывать на творчестве – это когда тебе платят за то, что ты умеешь вызывать эмоции и удивлять

Глава 1

Как артист может зарабатывать

Представьте магазин Apple[1] – с ноутбуками, планшетами и айфонами. Управляющий нанимает маркетолога и говорит: «Привлеки покупателей. Хотим больше прибыли». Плохой маркетолог побежит выбирать фотографии для рекламных баннеров. Хороший сначала задаст много вопросов, например: «На чем вы зарабатываете, ребята? Что приносит больше денег – ноутбуки, айфоны, эйрподсы? И кто их покупает?» От ответа зависит, как лучше все это рекламировать. Допустим, что-то из этого покупают только подростки: вряд ли тогда стоит вешать рекламные плакаты в клубах любителей петанка.

Артист – почти как магазин Apple. Только он продает не ноутбуки и айфоны, а более абстрактные вещи: ощущения, эмоции и шоу. Офисному работнику нужно стряхнуть с себя усталость рабочей недели. Несчастный влюбленный чувствует себя одиноко: хочется, чтобы кто-то разделил его грусть. А еще музыка – важная часть самоидентификации: «Я бунтарь и слушаю техно» или «У меня утонченный вкус, я люблю французское инди». Перечислять можно долго: суть в том, что артист закрывает какие-то потребности и желания слушателя.

Если артист хочет продвигать себя и привлекать аудиторию, нужен тот же подход, что и с магазином ноутбуков. То есть начинать нужно не с рекламы и даже не с оформления аккаунтов, а с вопросов. Один из них – на чем артист планирует зарабатывать?

Обычно заработок музыкантов состоит из трех потоков: стриминг, рекламные контракты и выступления – например, корпоративы и концерты. Для каждого способа свои стратегии продвижения. Для стриминга нужно выпускать как можно больше хитов, попадать в тренды, нравиться массам. Но не обязательно, чтобы люди знали вас как личность. А вот для концертов лучше выстраивать со слушателями нежные и тесные отношения: так выше вероятность, что они придут на выступление артиста, а не предпочтут другое развлечение. На корпоративы зовут тех, кто на слуху и у кого музыка подходит под формат.

Поговорим о каждом способе подробнее: как он работает, что нужно учитывать, каким артистам он подходит и сколько денег с него может приходить.

Стриминг

Раньше многие скачивали музыку с пиратских сайтов. Порядочные люди покупали диски. Помните, была такая плоская круглая штука: нужно вставить ее в CD-проигрыватель и нажать кнопку, чтобы заиграл любимый альбом Nirvana? Сейчас такого почти не встретишь: вместо дисков все покупают подписки на стриминговые сервисы – например, «Яндекс Музыку» или «VK Музыку». Можно платить какие-нибудь 200 рублей в месяц и слушать хоть все треки на свете. Ну или почти все.

Сколько денег может заработать артист, когда люди слушают его музыку в стриминговых сервисах? И по какой схеме вообще там распределяются доходы, реально ли начинающему музыканту заработать приличную сумму? Артисты часто об этом спрашивают. Вот и разберемся.

Артист начинает получать деньги, когда много людей слушают его треки. Звучит банально, но давайте разберемся в механике: как это происходит. Легче объяснить на примере. Допустим, есть выдуманный стриминговый сервис «Музловичкофф». В России у него 2 миллиона платных подписчиков. Цифры постоянно меняются: предположим, мы смотрим данные за август 2021 года. Подписка стоит 200 рублей. Значит, за август «Музловичкофф» получит 400 миллионов рублей.

Пусть 30 миллионов уйдут на налоги. Еще 70 миллионов сервис заберет себе как комиссию: надо же платить программистам, маркетологам, менеджерам и покупать печеньки в офис. Осталось 300 миллионов рублей: их «Музловичкофф» должен выплатить артистам.

Нужно понять, сколько денег улетит каждому артисту. Тут пригодится еще одна цифра: сколько в сервисе было прослушиваний. Например, программист заходит в «Музловичкофф», чтобы включить музыку для работы на фоне. Он послушал один трек 5 раз, второй – 10 раз. Всего 15 прослушиваний за день. В сервисе сидит много таких программистов: допустим, в августе получился миллиард прослушиваний.

Что считается за прослушивание? На разных сервисах разные способы оценки: где-то нужно просто включить трек, где-то – послушать 20 секунд.

У нас есть общая выплата артистам и количество прослушиваний. Нужно узнать, сколько стоит одно прослушивание. Берем общую выплату – это 300 миллионов рублей. Делим на прослушивания – миллиард. Получается, в августе одно прослушивание стоило 30 копеек.

Дальше просто: сколько у конкретного артиста прослушиваний, столько ему и выплачивают. Если всего 100 тысяч прослушиваний, «Музловичкофф» выплатит 30 тысяч рублей.

Только учтите, что это не чистая прибыль: у музыканта есть дополнительные расходы, которые касаются стриминга. Например, выплаты дистрибьюторам – это компании, которые загружают треки в сервисы и берут за это комиссию. Но про это расскажем чуть позже – в главе о лейблах и дистрибьюторах. Сейчас важно запомнить, что артист получает копеечку с каждого прослушивания своего трека.

Артисты часто спрашивают: какой сервис выгоднее всего, какой приносит больше всего денег? Это очень сложный вопрос. Сервисов много: заметных минимум шесть, а есть еще менее популярные – например, SoundCloud, Deezer. У всех разная стоимость прослушивания: она меняется от месяца к месяцу. Мы рассматривали пример с августом. Допустим, в январе будет столько же подписчиков, но меньше прослушиваний: люди спят и едят оливье, им не до музыки. Получается, каждое прослушивание стоит дороже.

Стоимость прослушивания зависит и от территории, на которой люди слушают музыку: подписки в разных странах у одних и тех же сервисов стоят по-разному. В общем, рекомендуем не зацикливаться на этом. Все равно дистрибьютор выложит треки на все доступные платформы.

Что нужно, чтобы зарабатывать на стриминге

Чтобы зарабатывать на стриминге, нужно стабильно попадать в топы сервисов. Прямо уметь нравиться массам: не один раз оказаться в подборке популярных треков, а регулярно висеть в топ-чартах. Это значит, что трек много слушают, поэтому артист и зарабатывает много. Сложно предсказать, какой трек будет хитом, – но об этом мы немного поговорим в главе про то, как писать коммерчески востребованную музыку.

Сколько конкретно можно заработать? Приведем пример из недавнего прошлого (пару лет назад). Один знакомый артист, работающий в жанре хип-хоп, получил 17 тысяч рублей за 330 тысяч прослушиваний в стриминговых сервисах.

Чтобы сориентироваться, вот примерные цифры по прослушиваниям. Ребята вроде Моргенштерна[2] обычно собирают около 6 миллионов в месяц. У начинающих артистов с небольшой аудиторией чаще всего около 100 тысяч прослушиваний: это плюс-минус 6 тысяч рублей.

Миллион прослушиваний – не так много, его собрать вполне реально. Но опять же заработок зависит от многого: платформы, страны, общей активности пользователей. Поэтому сложно обещать какие-то конкретные суммы.

Корпоративы

Представьте корпорацию. Ей нужно создать бренд крутого работодателя, чтобы собеседоваться туда было престижно. Для этого сотрудникам привозят обеды, оплачивают страховку. А еще устраивают блестящие корпоративы, которые не стыдно выложить в сторис. На такой корпоратив позовут музыкантов – конкурентам на зависть. Для компании это элемент статуса: «Посмотрите, мы такие классные – у нас "Ленинград" разносит танцпол. Можем себе позволить».

Иногда артистов зовут не компании, а люди. Например, известный телеведущий празднует юбилей, свадьбу или Новый год. Он с ума сходит от рока, вот и зовет артиста порадовать гостей и себя. Это уже не для статуса, скорее для души. За выступление артисту выплатят гонорар: приехал, сыграл несколько треков – получи 100 тысяч рублей. Часть этих денег уйдет на расходы: например, комиссию менеджеру и директору музыканта. Обо всех этих ребятах мы еще поговорим позже. Расходы могут быть любыми: тут у всех по-своему. Остальное останется артисту.

Что нужно, чтобы зарабатывать на корпоративах

Чтобы артиста звали на корпоративы, ему нужно быть на слуху. Часто за репертуар праздника отвечают люди, которые не разбираются в музыкальной индустрии: менеджеры или секретари. Представьте, сидит секретарь на кухне в офисе. Заходит менеджер:

– Галина Викторовна! Давайте позовем такого-то артиста на Новый год.

– А кто это, Сереж?

– Да вот по радио крутят: такое «На-на-на, на-на».

– А, точно! Я же вчера его на Первом канале видела. Прикольный, давайте позовем.

Кто светится в инфополе, того и вспомнят. Поэтому много крупных заказов у тех, кто мелькает на радио и по телевизору, дает интервью журналам. Еще некоторые жанры на корпоративах встречаются чаще. Для праздников нужно что-то легкое, качевое – чтобы люди расслабились, потанцевали. Поп-музыкантов зовут охотнее, чем исполнителей концептуальной электроники. Металл на корпоративе из 500 человек понравится не всем. А вот Ёлку слышало большинство.

Если речь не о больших деньгах, а о первом заработке, корпоративы – один из самых простых способов начать получать деньги за свою музыку. Достаточно найти знакомых, которые могут позвать артиста на мероприятия. Например, у вашей тети своя небольшая компания – юридическое бюро. Тетя устраивает новогодний капустник. Вы говорите: «Теть Аль, давай я сыграю твоей команде новогодний сет». С этого и начинаете: выступаете как кавер-группа – исполняете чужие хиты. Можно даже бесплатно. Тете Але понравилось, она рассказала про вас знакомым. А ее знакомая – менеджер в корпорации. Вот и первый заказ. Постепенно их станет больше.

Поначалу стоит активно работать над «продажами». Пока вас не слышно из каждого утюга, нужно предлагать компаниям свои выступления. В каждом городе есть сотни возможностей выступить. Главное – их найти. Это зависит от артиста, сезона, прибыли компаний или отдельных людей. На Новый год большой спрос, поэтому цены подскакивают.

На практике встречаем такие цифры: 100 тысяч – 2 миллиона за одно выступление. В среднем получается шесть-восемь выступлений в месяц. Бывает и больше.

У одного нашего артиста гонорар за выступление 400–500 тысяч рублей. В месяц он выступает примерно пять раз. Выручка – примерно 2 миллиона. Это не чистая прибыль: что-то уходит на расходы. Артист занимается музыкой уже лет шесть: это его основное дело.

Концерты

Артист устраивает концерт: на билбордах появляются афиши, в аккаунте – анонсы. Фанаты бегут покупать билеты. Часть денег уходит организаторам, еще часть – налоги и расходники. Артист получает гонорар или процент с продажи билетов.

Чтобы устроить концерт, нужно организовать много процессов. Например, найти площадку – стадион, концертный зал, ресторан или бар. Туда нужно привезти оборудование: барабаны, гитары, микрофоны, дым-машину, софиты, усилители. Оборудование устанавливают и проверяют, чтобы светильник не упал на голову фанатам. Кроме этого, надо рассказать людям о концерте: настроить рекламу, напечатать афиши. Чтобы слушатели могли купить билеты, нужно договориться с билетными операторами. Это компании, которые продают проход на мероприятия: у них есть кассы и аудитория, которой они могут рассказывать о концертах.

Иногда концерт организовывает сам артист или его менеджер. Часто так бывает с начинающими музыкантами, которые устраивают первое выступление: они делают всё сами. Ищут площадку – чаще всего небольшой бар. Приносят свое оборудование или берут его в аренду. Сами занимаются рекламой мероприятия, продажей билетов.

У известных артистов концерты часто организовывают промоутеры. Это компании, которые занимаются мероприятиями. У них уже настроены процессы: есть связи с площадками, билетными операторами, у некоторых – свое оборудование. Можно сказать, промоутер – это такой менеджер, который освобождает артиста от головной боли. Некоторых промоутеров можно сравнить с предпринимателями: они хотят организовать концерт и заработать на этом.

В общем, звучит все просто: организовал концерт – получил деньги с билетов. На деле за этим стоит много работы.

Что нужно, чтобы зарабатывать на концертах

Артист зарабатывает на концертах, когда у него есть лояльная аудитория: люди, которые болеют за него и знают его как личность. Со стримингом всё иначе. Зайти в «Яндекс Музыку» и включить трек легко: дело пары минут. А вот чтобы пойти на концерт, нужно купить билет, запланировать выход в свет, подготовиться. Выйти из дома, наконец. Развлечений вокруг много. Человек должен выбрать вас, хотя может поиграть в приставку, посмотреть сериал или покататься на лыжах.

Одного хита для стабильного заработка на концертах не хватит: нужен другой контент, который тоже понравится людям. Хит помогает аудитории обратить внимание на артиста: если он интересен, начинает собирать залы. Бывает так, что исполнитель хита устраивает концерт. Песня – везде: в TikTok, на радио, в топах чартов. А на концерт билеты почти никто не покупает: приходится очень много денег вливать в рекламу, и то не всегда помогает. Не раз с таким сталкивались.

Хит не гарантирует, что билеты на концерт быстро разберут. Во-первых, хит хиту рознь. Если трек просто денек продержался в топе «Яндекс Музыки», на посещаемость концерта это может вообще не повлиять. А еще нужно время для дополнительных активностей: если хит вышел только сегодня, вряд ли люди тут же купят билеты. Такие найдутся, но их мало. А вот когда слушатели привыкнут к музыканту, узнают его как личность, тогда и на концерты пойдут. Сравните: вас зовет на вечеринку какой-то шапочный знакомый или близкий друг. А на улице мороз, и вы устали после рабочей недели. Скорее всего, к другу вы пойдете, а вот от предложения непонятного знакомого мягко откажетесь.

Итог: если хотите зарабатывать на концертах, нужно создавать и развивать лояльное сообщество слушателей. Это люди, которые будут знать о вас больше, чем «он спел такую-то песню». Человек может слушать хит в стриминговом сервисе и даже не помнить, кто его исполняет. А вот если он знает несколько песен, подписан на артиста в соцсетях, вовлечен в его жизнь, то и концерт не пропустит.

Для таких фанатов артист – это прямо как герой сериала: женился, развелся, альбом выпустил.

Деньги с первых концертов

Начинающие часто работают за процент с продаж билетов. Площадка продала 100 билетов на сумму 10 тысяч рублей. Артисту 70 %: то есть 7 тысяч.

Еще бывает процент с продаж у бара. Вот пришли 20 человек на концерт. Один купил пиво, другой апероль, и так много заказов. Бар заработал 10 тысяч рублей, а артист получил с этого процент: пусть 3 тысячи. Известные артисты чаще просят гонорары – фиксированную сумму за один концерт. Гонорар с концертов – от 100 тысяч рублей до нескольких миллионов у суперзвезд.

Примерно раз в год многие артисты устраивают большой сольник, обычно он проходит в Москве или Петербурге. На таких концертах можно заработать много, потому что артист – единственная звезда, все деньги, за вычетом расходов, идут ему. Еще есть мероприятия «полегче», например выступления в небольших клубах или торговых центрах. Там и сумма поменьше, потому что это такая усеченная версия концерта: без декораций и освещения.

Контракты

Представьте известного взрослого артиста: у него жена, дети, он часто публикует совместные фотографии. В общем, такой семьянин с огромной аудиторией. И есть бренд – допустим, крупный супермаркет. Ему как раз нужно привлекать родителей, которые живут спокойной оседлой жизнью, закупаются продуктами на неделю вперед. Супермаркет просит артиста разместить рекламу в сторис и посте.

К каким артистам приходят бренды? Нужно быть достаточно известным в своей нише: иметь хотя бы 100 тысяч лояльных подписчиков. Причем подписчики должны быть активными: лайкать, комментировать, переживать за артиста. Накрученные боты не подойдут.

Теперь о том, с какими предложениями вообще обычно приходят компании к музыкантам. Как правило, крупные бренды делают охватные компании: это когда ничего не продается в лоб, но бренд упоминается. С таким запросом может прийти «Яндекс» или «Сбер», например. Сторис и посты, интеграции в клипы – самая популярная для артистов история.

Обычно бренды не приходят к артисту напрямую: они сотрудничают через посредника. Бренд сначала идет в рекламное агентство, описывает свой запрос. А агентство уже ищет подходящих звезд – в том числе музыкантов. Если нужно привлечь семейных, идут к одним артистам, если молодых бунтарей – к другим. Конечно, бывают исключения: если крупная компания решит снять интеграцию со звездой, ее представители могут напрямую связаться с представителями артиста.

Если у артиста есть лояльная аудитория, он может сам проявлять инициативу. Часто находить контракты помогает менеджер: он смотрит, какие вообще бренды интегрируют артистов, и идет к ним к ним с предложениями. Например, смотрите клип Тимати, а там такие-то бренды. Идете в первую очередь к этим брендам, пытаетесь с ними договориться.

По оплате: все зависит от условий. Контракты заключаются и на десятки тысяч рублей, и на сотни. Пост в сторис может и дешевле стоить. Может же быть рекламная кампания, растянутая на год, на два года, куча всяких активностей. Понятно, что выгодно заключать продолжительные рекламные контракты: именно о них мечтают все. Но и пост в сторис неплох, потому что тоже принесет вам доход, пусть и небольшой. А еще лишний раз привлечет внимание лояльной аудитории и хорошо зарекомендует вас в глазах рекламодателя, что в перспективе может обернуться более длительным контрактом.

Заработок на рекламных контрактах – не такая частая история для артистов. Музыкант должен быть немного блогером, чтобы стабильно получать такие заказы.

Как понять, какая схема вам подойдет

У самых успешных артистов работает все сразу. Они продают билеты в огромные залы, попадают в топы чартов, их зовут на корпоративы за большие деньги. Но как правило, все начинают с чего-то одного. Например, знакомый устраивает корпоратив – артист выступает на нем бесплатно, потом на другом – за небольшой гонорар.

Чтобы примерно наметить, какая модель монетизации вам подойдет, можно спросить себя: представляете ли вы себя на корпоративах? Может ли ваша музыка звучать на каких-то мероприятиях? Например, электронная музыка – чаще про заработок на концертах: клубы, фестивали и прочее. На корпоратив тяжелое техно никто не закажет. А вот поп неплохо собирает и на корпоративах, и на стриминге. Что с хитами – вы пишете поп-музыку или у вас узкое направление? А насчет концертов – почему люди могут на них приходить?

Лучший совет тут – пробовать. Никогда не предскажешь, сколько людей придет на концерт, пока не проведешь его. Можно попытаться предсказать, но это будут только догадки. Будете потихоньку пробовать, так и найдете свой способ заработка.

Попробуем показать на примере, как будет развиваться путь артиста. Допустим, это поп-артист. Он неплохо поет, танцует, сам пишет песни. Начинает он с нуля: вот выпустил несколько песен. Первые деньги появятся после того, как песня выйдет. Вряд ли первые треки зайдут феерически, но какие-то копейки с них уже накапают. Скорее всего, пара тысяч рублей.

Допустим, жена музыканта решит заняться продажей его выступлений. Она работает в маркетинге, и у нее много знакомых среди владельцев рекламных агентств: они часто устраивают корпоративы. И вот выступление продается за 50 тысяч рублей. Это первые серьезные деньги: за корпоратив не так уж и плохо. Артист продолжает заниматься музыкой, становится опытнее, активно ведет соцсети, набирает там 10 тысяч подписчиков. Однажды к нему приходит небольшой лейбл: он готов продвигать новый альбом и дать 200 тысяч аванса. Это уже более серьезные деньги. Аванс – это не совсем прибыль, но все равно доход у артиста уже появился.

Лейбл помогает распространить трек: ставит его на радио, помогает поместить в модные плейлисты, запускает продвижение. Артист дает интервью журналам и даже засвечивается в какой-то программе по телевизору. Все это приводит к тому, что за пару месяцев артист зарабатывает около тысячи долларов. А еще приходят отчисления от радиостанций. У музыканта появляются активные фанаты. И артист думает: почему бы не попробовать сделать первый сольный концерт? Договаривается с каким-то клубом: билет – 1000 рублей, 30 % он отдаст клубу. Приходит 200 человек. Вот 200 тысяч рублей, из них 60 тысяч идет клубу. Еще 40 тысяч уходит на всякие расходы. И вот первые 100 тысяч на сольном концерте артист зарабатывает. Спасибо жене, которая ему в этом помогла.

Допустим, выступление на концерте еще и засняли: это помогло получить корпоративы, стало больше заказов. Теперь корпоратив этого артиста стоит уже 100, а не 50 тысяч. Музыканта приглашают компании, которые устраивают праздники для своих сотрудников. Музыкант модный, музыка у него трендовая, при этом выступление стоит еще не так дорого, как у звезд. Отлично, компании рады. Плюс артисту начинает приходить все больше денег со стриминга. Вот уже и стабильный доход.

Теперь считаем, что это не поп-артист, а рэп-исполнитель. У него все складывается немного иначе. Ему сложно будет начать с корпоративов: рэп-артиста зовут туда, когда у него уже есть хиты. В остальном путь похож, сложнее будет только с корпоративами и радиостанциями. Со стриминга доход может расти быстрее.

Есть категория артистов, для которых этот профессиональный путь будет совсем другим. Это диджеи электронной музыки: у них свой мир. Например, они обычно стараются попасть на международные фестивали.

Разберем путь музыканта на выдуманном примере. Представим музыканта Катю. Ей 20 лет, она пишет электронную поп-музыку на синтезаторе. Ее песни – тонкий стеб над поп-культурой: много юмора, отсылок к книгам, фильмам. Катя очень любит сидеть в соцсетях, сама снимает тиктоки. Она чувствует тренды, при этом скорее смеется над ними, чем попадает в их сети. Бойкая, живая девчонка с острым языком и энергичными треками. Попробуем пофантазировать, как у нее развивается карьера.

Считаем, что несказанного везения не было. Катя просто регулярно и упорно пашет: выпускает треки каждый месяц, анонсирует их в соцсетях. Ей нравится вести Instagram и TikTok: она снимает туда много видео под свою музыку. Поет песни, придумывает смешные сценки: с юмором у Кати все хорошо. Один из музыкальных сервисов решает поддержать артистку: редакторам понравился трек и они поставили его в плейлист «Новые имена». Сотня человек лайкнула трек, кто-то даже подписался на Катю. Начинают приходить деньги со стриминга.

Кате пишет лейбл: его менеджер увидел Катин тикток в рекомендациях и заинтересовался. Они договариваются сотрудничать. Лейбл запускает кампанию, чтобы привлекать подписчиков через TikTok. Катины треки слушает уже миллион человек: это приносит тысяч 40–50 в месяц. Катя пока живет у родителей, и острой необходимости в деньгах у нее нет. Поэтому на корпоративах с каверами она не выступает.

К Кате приходит продакшн-группа, которая хочет купить у нее трек для нового сериала. Кате за это платят, а еще это срабатывает как промо: теперь ее слушают больше людей. С нескольких миллионов прослушиваний Катя зарабатывает уже больше 100 тысяч рублей в месяц. У Кати TikTok с миллионами фанатов, поэтому появляются рекламные интеграции: ИТ-компании просят ее рекламировать их колонку с голосовым помощником. Все, Катя стабильно зарабатывает на своем творчестве.

если трек сырой, слушатели почувствуют. И лейблы тоже

Глава 2

Коммерческий трек: что важно учесть

Вспомним магазин Apple из первой главы. Допустим, рядом есть второй магазин: Banana. Его менеджер тоже нанимает маркетолога, чтобы привлечь клиентов. Только есть нюанс: у айфонов классный дизайн, а телефоны Banana – несуразные серые кирпичи. У Apple ноутбуки живут долго, а у Banana дохнут через полгода. Цены у двух магазинов одинаковые, бюджет на продвижение – тоже. Какому маркетологу легче работать? Тому, кто продает товар хорошего качества.

С музыкантами так же. Можно тратить кучу денег на маркетинг, но если треки звучат непрофессионально и неинтересно, выхлоп будет маленький. Бывает, артист хочет взяться за Instagram и ТikTok. А треки при этом как будто написал на коленке: один инструмент заглушает другой, вокал не слышно. Продвижение такой музыки обойдется дороже – если из этого вообще что-нибудь выйдет.

Если качество не дотягивает, слушатели почувствуют. Когда вы смотрите на рекламу Apple и вывески ларька с шаурмой – вы же чувствуете разницу, хотя не знаете названия шрифтов. Вот и слушатели не объяснят, в чем именно проблема. Для них трек просто будет звучать как-то не так. Большинство артистов выпускают музыку, которая технически сделана грамотно. Если вы не дотянете до этого стандарта, люди почувствуют.

Что мы понимаем под коммерчески востребованной музыкой

Сравним две ситуации. Представьте работника корпорации. Каждый месяц ему на счет капают кругленькие суммы. Карьера удалась, но работнику неймется: хочется чего-то еще. Он вспоминает, что в студенчестве мечтал стать музыкантом. От хобби пришлось отказаться ради карьеры, но тяга к музыке дает о себе знать. И вот вечерами после офиса работник сидит за Ableton и сочиняет. Свои треки он ставит на домашних вечеринках и иногда выкладывает на SoundСloud. Работник не планирует на них зарабатывать: для него музыка – отдушина. Это поле, где он может делать что хочет.

Теперь другая история. Человек с детства грезил музыкой. Он сидит в Ableton по восемь часов в день и знает наизусть все музыкальные фестивали. Его мечта – устроить концерт в «Олимпийском» и попасть в топы всех сервисов. Больше он ничем заниматься не хочет: в офисе ему противно. Он верит, что сможет зарабатывать на своих треках.

Это две ситуации, где музыку пишут с разной целью. Первый случай – про творчество: артисту хочется самовыражаться. Для этого нет никаких требований: что музыканту нравится, то он и делает. Хочет работник написать трек на десять минут с длинным вступлением – пишет. Пришла мысль попробовать экспериментальные аранжировки – на здоровье. А вот вторая ситуация не только про самовыражение, но и про деньги.

Когда речь о коммерческом успехе, приходится думать о вкусах других людей. Например, следить за трендами. Если артист пишет музыку как десять лет назад, вряд ли он будет собирать стадионы. В 80-х был модный звуковой эффект – сильная реверберация. Это такой очень гулкий звук. Его использовали все: звучало очень современно. Сейчас треки суше, особенно рэп: реверберацию подмешивают в маленьких пропорциях. Если кто-то сейчас сделает упор на этот прием, будет звучать старомодно. Это как с дизайнерами одежды: если сейчас все носят джинсы-скинни, а малоизвестный дизайнер выпускает брюки-клеш, их мало кто будет их покупать.

К нам иногда приходят музыканты, которым нравится старая эстрада – Пугачева или Меладзе. В чем там особенность: упор на слова, а аранжировка – второстепенна. В современной музыке скорее наоборот: тренд движется в сторону хуков, мелодии, саунда, энергетики. Артист хочет делать так, как было популярно раньше, и рассчитывает, что сейчас это будет востребованно. А на самом деле – очень маленькая вероятность, что будет так. Нужно понимать, что сейчас эта музыка интересна узкой консервативной аудитории. Ниша есть, люди даже ходят на концерты. Хит при таких вводных вряд ли получится создать, но зал собрать вполне реально. Просто лучше трезво оценивать реальность.

Вспомним Катю, которая пишет электронную поп-музыку. Допустим, она пишет для себя. Катя может сделать любую дичь: написать песню на 20 минут, сделать ее монотонной, не делить на куплеты, придумывать запутанные сюжеты, отсылки, двойное дно. Кроме нее, никто ничего не поймет, но это не важно.

А теперь допустим, что Катя все-таки хочет построить музыкальную карьеру. Тут уже приходится считаться с массовым вкусом. Думать о структуре трека: писать короткое интро, сильный припев, желательно добавить бридж. С текстами придется искать компромисс: писать с отсылками и иронией, но не превращаться в зануду. Лучше выбирать злободневные темы – как стендап-комики находят то, что «болит» у многих.

Когда Катя станет известной, как Канье Уэст, она снова сможет экспериментировать, и ей многое будут прощать. Если она сделает что-то экспериментальное, люди изучат, еще и интервью посмотрят, где артистка объясняет свою задумку. Но пока что ей придется оглядываться на то, как принято. И при этом не терять себя, добавлять в тренды свою изюминку.

Можно возразить: «Но есть же артисты, которые вдохновенно творят и становятся коммерчески успешными». Конечно, есть. Но вряд ли кто-то из этих артистов делает что-то, чего вообще не было в природе. Тот же Канье Уэст использует гармонии из госпела. Вряд ли Земфира[3] когда-то следовала трендам, но ее песни сделаны технически грамотно, в них есть структура. Короче, человек может самозабвенно творить, но все равно использует рабочие приемы, пусть даже он об этом и не задумывается.

Иногда артисты еще спрашивают: «Хорошо, а в каком жанре тогда сейчас писать? Что делать, чтобы было актуально?» На самом деле ответ им не нужен. Как правило, человек начинает заниматься музыкой, когда его уже вдохновляет определенный жанр или артист, есть объект для подражания. Например, Катя обожает Монеточку[4], Дору, Noize MC[5]. Ей не нужно сидеть и анализировать тренды: она слушала много музыки и примерно понимает, что к чему. Это как язык: если родители говорят на русском, ребенок тоже научится говорить на нем без особых усилий. Мозг сам находит закономерности, вычленяет правила и запоминает слова. Чувство тренда у Кати уже есть. Дальше ей нужно найти в рамках тренда свой почерк: добавить присущую только ей особенность. В этом и есть мастерство: остаться в рамках востребованного, но найти свою уникальную черту. Например, как Элджей: типичная поп-музыка, но узнаваемый тембр и подача, яркие запоминающиеся хуки.

Коммерческая музыка – это такая, на которой планируют заработать (хотя бы в теории). Для нее лучше не изобретать «что-то абсолютно новое», а прислушаться к тому, чего сейчас хотят люди. И привнести в это что-то свое. Ну а если вам просто хочется экспериментов, это тоже может выстрелить.

Мы не будем учить вас писать треки: вы музыкант и сами знаете, как это делать. А если не музыкант, одной главы все равно не хватит. Мы обрисуем минимальный порог качества, которого нужно достичь прежде, чем заниматься маркетингом. Все советы тут растут из нашего многолетнего опыта: в частности, мы нередко советуем артистам, как именно им надо доработать свои треки, прежде чем начинать активно продвигаться в TikTok или Instagram.

В производстве трека есть пять этапов: написание песни, или сонграйтинг, аранжировка, запись, сведение и мастеринг. Слова и мелодия – фундамент: в них смысл и основной мотив. Следом – аранжировка: нужно выбрать инструменты и их звучание. Потом музыкант записывает дорожки. Их нужно свести: сделать так, чтобы они хорошо звучали как единое целое. Например, чтобы инструменты не заглушали голос артиста. И наконец, мастеринг – финальная шлифовка. Это классический подход. Сейчас на компьютере можно делать чуть ли не все сразу. Иногда начинают с аранжировки – особенно это типично для рэпа.

Слова и мелодия

Начинаем со слов и мелодии. Это основа трека – так сказать, база. Вспомните любую популярную песню и напойте ее без инструментов: это и будет ее костяк.

Первое, о чем тут нужно поговорить, – структура. Классные романы, пьесы, рассказы написаны по определенным схемам: завязка, кульминация, развязка. Это нужно, чтобы читатель постоянно был в напряжении: так ему будет интересней. Вот и у песни есть структура. Хорошая структура затягивает: она создает узор, в который погружается слушатель. Например, ждет припева, которому можно подпевать.

Посмотрим, из каких «кирпичиков» можно собрать структуру трека. Мы будем говорить про поп-музыку: в электронной эти составляющие другие. Сразу скажем, что все эти элементы не укладываются в жесткий шаблон. Кто-то послушает песню и скажет: «Это припев», а кто-то – «Это припев и постхорус». Иногда различить кирпичики можно только по их энергии: вот протяжно, а потом как вдарили инструменты! Это значит, что уже другой элемент начался.

Интро. Это как предыстория к фильму. Знаете, бывают вступительные кадры: героиня сидит в траве и читает книгу, Дамблдор приезжает к тете и дяде Гарри Поттера. В треке тоже такое есть: помогает задать настроение. Как правило, в интро нет вокала и это элемент-одиночка: потом он больше нигде не появляется. В «Группе крови» у «Кино» – яркое интро без вокала.

Куплет и припев. Думаем, все представляют себе, что это такое. Припев – кусочек, который повторяется в песне несколько раз, а в куплете обычно происходит основное действие. У Полины Гагариной в кавере песни «Кукушка» слова «Солнце мое, взгляни на меня» – припев. Как правило, припев заедает в голове, а вот слова куплета знают только фанаты.

Куплет и припев есть в поп-музыке почти всегда. Исключения тоже бывают: например, у «Кровостока» много песен без припева. С другой стороны, «Кровосток» и не отнесешь к поп-музыке. Песни без куплета тоже есть – часто они короткие, около двух минут. Например, «Пальчики» у RSAC. Такие песни работают больше по канонам электронной музыки: в них есть динамика только за счет аранжировки, мелодии, изменения уровня энергии, а никакого сюжета нет.

Нетипичная структура без куплетов и припевов – это всегда риск. Такую композицию могут и не взять на радио.

Прехорус. Это переход от куплета к припеву. Если перевести название дословно с английского, так и получится – «до припева». Он как бы готовит слушателя к припеву: дает эмоциональную паузу или, наоборот, разгоняет ритм. Может быть со словами или чисто инструментальным: например, какой-то яркий проигрыш. В песне «Любимка» NILETTO прехорус начинается примерно на 0:48 – там, где повторяется «тебя, тебя, тебя». А дальше уже начинается припев: «Время пострелять, между нами пальба».

Постхорус – «после припева» – переход от припева к куплету. Элемент, который помогает слушателю как бы переплыть из припева в следующий куплет. Яркий постхорус в песне «Перемен» группы «Кино». Еще пример – песня Звонкого «Голоса». Примерно в 1:26 начинается проигрыш, который соединяет припев и следующий куплет.

Иногда и постхорус, и прехорус относят прямо к припеву: однозначно их не разделить. Но бывает, что это очевидно разные элементы: настолько они отличаются по энергетике.

Бридж. Это небольшой элемент, в котором музыка меняется – по темпу, энергии или ритму. Например, было лирично и медленно, а тут вдруг – интенсивный кусочек. Он нужен, чтобы отвлечь слушателя от основной темы трека и избежать монотонности, придать контраста. Как правило, бридж заметно отличается гармонически и мелодически.

Бридж часто находится в середине песни: это как бы такое связующее звено. Поэтому так и называется – бридж, «мост». Пример – песня Wind of Change у Scorpions. Кусочек со слов The wind of change blows straight into the face of time до припева можно считать бриджем: это элемент, который выделяется по настроению.

Брейк. Это элемент, в котором интенсивность снижается. Название так и переводится – «перерыв». Он тоже нужен для контраста. Только если бридж – это контраст в обе стороны, то брейк – это именно мини-пауза, затухание, отдых для слушателя.

Пример брейка: Элджей & Feduk – «Розовое вино». Брейк начинается примерно в 2:41. Слова там такие же, как в припеве, но в остальном этот кусочек отличается по настроению. Музыка замедляется, голос артиста становится приглушеннее.

Концовка, или аутро. Завершающая часть трека. Например, плавное затухание или резкая остановка. В Yesterday у The Beatles это конечное Mmmm-mmm. Бывает не всегда: многие песни просто заканчиваются припевом.

Что учитывать при создании структуры

Расскажем, на что ориентироваться, если хотите написать коммерчески успешный трек. Это не заповеди, скорее советы. Конечно, есть куча примеров, когда все эти правила нарушались. Мы покажем усредненную картинку, рабочую схему.

Структура не слишком простая. Сложная структура позволяет удерживать внимание. Представьте два фильма: в одном час человек смотрит в лужу, а в другом захватывающий сюжет, неожиданные повороты, напряжение. Второй смотреть интереснее – по крайней мере, большинству людей, а не группе ценителей. С треком то же самое. Попробуйте открыть топ Apple Music: как правило, большинство песен будут сложнее по структуре, чем «куплет-припев».

Сейчас устоялся такой формат: куплет, прехорус, припев. Как правило, если появляется третий куплет, с ним уже надо что-то делать, чтобы он отличался от первых двух. Например, добавить бридж.

Бывает еще сложнее. Для примера возьмем песню Monatik «Кружит». Там интро, бридж, первый припев, второй припев. Потом – куплет. В конце еще бридж: проигрыш между куплетом. Это распространенный прием в танцевальной музыке: повторяется припев, проигрыш, потом опять припев. Все это позволяет удерживать внимание.

Приведем и контрпример: «Грустный дэнс» (Artik & Asti) или «Тает снег» («Грибы»). Структура не слишком замысловатая: считай, только куплет-припев. И ничего, хитовые треки, все их слышали. По наблюдениям, часто простую структуру выбирают, когда есть несколько исполнителей: например, дуэт.

Короткое интро. Если зайдете в топ любого стримингового сервиса, увидите, что большинство песен короче трех минут. Интро тоже стараются сократить, чтобы сразу переходить к делу, цеплять слушателя. Напомним, что мы говорим про поп-музыку, которая направлена на массовую аудиторию.

Вот пара примеров популярных песен с коротким интро. Люся Чеботина – «Солнце Монако»: интро в композиции занимает примерно семь секунд. У Markul и Джарахова в треке «Я в моменте» вообще нет интро.

А вот кто в начале песни любит разыграться – так это The Weeknd. Скажем, в Take My Breath длинное вступление. Когда такие песни ставят на радио, их обычно сокращают. А иногда интро вообще превращается в отдельный трек в альбоме. Можно две разные версии сделать: для радио – покороче, для фанатов – подлиннее. Посмотрите на две версии трека Often. Есть версия с удлиненным интро – Extended Intro.

Сильный припев. В коммерческой музыке припев – это святое. Редко найдешь успешную песню без него. Сейчас объясним, что такое сильный припев.

Есть такой термин: хук. В переводе c английского означает «крючок». Это какая-то фишка или деталь, которая цепляет и застревает в голове у слушателей. Услышишь и ходишь напеваешь весь день.

Вот возьмем трек CYGO у Panda Е. Там есть строка в припеве «Мы бежим с тобой, как будто от гепар-р-р-р-рда». Это прямо заедает. Или у Дани Милохина – «Угадай, где я? Я дома. Угадай, как я? Я в норме»: когда-то весь TikTok снимал ролики именно под этот отрывок. У Slava Marlow что ни песня, то хук: «Ты горишь, как огон-н-нь», так ярко и пронзительно. Ну или «Как дела?» из Cadillac Моргенштерна и Элджея так въелось, что чуть ли не поговоркой стало. Так вот, самый классный припев – тот, в котором есть хук.

Некоторые артисты вообще делают так: пишут только припев, выпускают его в TikTok и смотрят, как заходит. Если припев становится вирусным, пишут полную песню. Но при этом все равно стараются сохранить формат TikTok: что-то, что въедается и цепляет очень быстро, как «Я в моменте» у Markul и Эльдара Джарахова.

Припев и куплет – контрастные. Это значит, что в них разный эмоциональный накал. Как правило, в припеве больше инструментов, активный вокал. А куплет более ровный, монотонный, спокойный. Этот контраст очень важен. Если припев хитовый, но в песне только он, человек пару раз послушает и устанет. Контраст дает постоянное ожидание.

Это как нарисовать белый кружочек на черном фоне – из-за контраста он будет притягивать внимание. А вот если нарисовать белый на бежевом, взгляду не за что зацепиться.

Например, возьмем песню «Жить в кайф» Макса Коржа. В куплетах он рассказывает, как родители переживали, что сын остался без диплома. Такой равномерный рассказ. А припев – это крик пацана: очень эмоциональный по словам, подаче и аранжировке. Представьте, если бы у Коржа не было этого контраста. Еще один куплет слушатель выдержит, а к следующему припеву уже подустанет.

Что учитывать, когда пишете слова

Формально слова входят в структуру, но поговорим о них отдельно. Все-таки текст образует отдельный слой. Структура у двух песен может быть одинаковой, но слова в одной будут скучными, а в другой – такими, что заедают в голове.

Лучше проще. Для поп-музыки советуем выбирать знакомые всем слова, строить короткие предложения без деепричастных оборотов. Ну вот как у RSAC:

Конечно, есть еще Oxxxymiron[6], треки которого можно читать с энциклопедиями. Так тоже может быть. Никакой официальной статистики нет, но, судя по тому, что мы регулярно видим в топ-чартах, простые песни более популярны. На двух успешных умников – сотня тех, кто пишет просто.

Здорово, когда написано просто, но слова интересно сочетаются. Вот смотрите, может быть написано очень заумно – сложной метафорой из слов, которые мало кто понимает. Например, «наши отношения – как герменевтический круг, диалектическая спираль Гегеля». И может быть избитая рифма: «Наша любовь отравила мою кровь» или «глаза – бирюза». Причем автор использует такие рифмы не иронично. Если бы он это делал в шутку, тогда это был бы художественный прием.

Обе ситуации – крайности. Если слова простые и знакомые, слушателю неинтересно. Если все новое и сложное, это оценит только узкая прослойка фанатов, которая готова к экспериментам. Поэтому надо найти баланс. Вот хороший пример метафоры у Элджея: «Я хочу тебя на 360, все остальные на проводе повисят». Слова знакомые, но сочетаются причудливо: не ожидаешь такого.

Простые слова не синоним «пресных». Скорее это значит «привычные, понятные». Иногда это вообще новые словечки из повседневной жизни. Они еще в словарях не появились, а в песни уже вошли. Вот забавная история: знакомый рэпер рассказывал, как к ним в студию пришел заказчик и принес список трендовых слов. Попросил вставить их в песню, чтобы она «прилипала» к слушателям. Интересный подход: ничего не гарантирует, но шансы на успех увеличивает. Или вот еще всем известный тренд: песни рэперов часто бывают нашпигованы названиями люксовых брендов – Balenciaga, Fendi, Prada. Это добавляет блеска, лоска. Кому не нравится ассоциировать себя с богатством и стилем? Люди подпевают, снимают тиктоки с липсинками, включают музыку на тусовках.

Еще артисты придумывают локальные фишки: слова, которые становятся у них фирменными. Например, слово «ауф» во многом обрело популярность благодаря трекам. А у Cardi B есть фирменное okurrr. В рэпе такие слова-выкрики называются эдлибами, и есть ощущение, что артист не специально их вставляет в песню, а в исполнительском порыве. Чаще всего их записывают как бэк-вокал.

Идея, что песня должна быть простой, многим претит. Обычно в этот момент говорят про «отупление». Но надо понимать, что есть артхаус, а есть боевики: одно концептуальное, второе делает кассу. Мы рассказываем, как с наибольшей вероятностью сделать кассу в мире музыки.

Заурядные треки не становятся хитами. Слова успешной песни могут быть слабыми, но значит, есть какая-то другая фишка: в голосе, музыке, подаче. Или даже в энергии исполнителя. Поэтому не важно, насколько заумные слова вы напишете и насколько изящные рифмы подберете. Важно, какую фишку у вас получится найти – в тексте, голосе, манере исполнения или во всем сразу. И простые слова можно подать классно.

Что важнее: слова или музыка?

Все зависит от песни. Иногда мелодия настолько крутая, что слова уходят на второй план. Или наоборот – слова могут быть банальными, но аранжировка все вытянет. В России популярны песни на английском, хотя не все знают этот язык. Люди не понимают слов, но им нравится, как музыка звучит.

Если во главе стоит текст, как правило, его можно с интересом читать и без музыки: он ценный сам по себе. Вот Noize MC к словам подходит очень трепетно: метафоры, смыслы, остросоциальные темы.

А вот другой пример: послушайте «Мишка виновен» Ивана Дорна. Слова – вспомогательный элемент, потому что глубокой истории за ними нет. Даже видно, что звук подстраивается: ударение соскользнуло не туда, где-то слог «сжевали». А песня все равно классная. Или у 5'nizza песня «Нева» – слова просто задают настроение. Как картина импрессионистов: больше про эмоции и общее впечатление, чем про детальную прорисовку образов.

В СССР артисты делали акцент на слова, а потом эта тенденция стала размываться. В рэпе и роке слова еще долго выходили на передний план. Тот же трек «Сочиняй мечты» Влади из «Касты» и Ули из Wow Band: сильные вдохновляющие фразы про то, что не надо сдаваться. В 2023 году, судя по топ-чартам, которые мы регулярно мониторим, акцент больше сместился в мелодию и энергетику, в настроение. Кто-то считает эту тенденцию негативной. Мы относимся к этому с принятием: сейчас вот такой массовый спрос. Сегодня потребности слушателей таковы, но завтра они могут измениться.

Не думайте о том, что важнее для успеха вашей музыки. Думайте, как сделать классно и интересно. Если нравится подстраивать слова под аранжировку – пожалуйста. Если комфортнее отталкиваться от строчек, отталкивайтесь. Для любого трека найдется своя аудитория. Слушатели Земфиры наверняка ценят сильный текст, а кто-то просто любит, чтобы качало.

Где брать слова и мелодию: писать самим, заказывать или покупать готовые?

Если музыкант умеет писать песни, это серьезное конкурентное преимущество. Не так просто найти автора, который пишет песни с учетом всех особенностей артиста: его образа, стиля, тембра. Одному вокалисту подходят одни тональности и гармонии, другому иные. А еще есть детали биографии, фирменные словечки и много других нюансов. Короче, чтобы получилось индивидуально и уникально, надо сработаться с автором. Такое тоже бывает, хотя и редко. Например, Ёлка и Егор Солодовников тесно сработались, вышел хороший творческий дуэт.

Не все артисты пишут песни сами: это нормально. Исполнитель может быть гениальным артистом, обожаемым миллионами, но при этом покупать песни у сонграйтеров. Это не зазорно и не плохо. Иногда артисты спрашивают, как зрители реагируют на покупные песни. Не перестают ли они уважать артиста, если узнают, что слова и музыка – не его? По нашим наблюдениям, аудитория относится к такому нормально. Особенно слушатели постарше: они привыкли, что у песни есть автор слов и часто это не сам артист. С молодыми слушателями посложнее: им важна искренность. Если вдруг обнаруживается, что песня написана не самим кумиром, поклонники могут быть разочарованы. С другой стороны, иногда заимствования даже радуют: некоторые артисты включают в песни строчки из произведений классиков. А были даже случаи, когда в создании песни участвовали фанаты. Например, есть такая певица Линда: когда она писала песню «Прямо в Рай!», отталкивалась от стихотворения, которое сочинил ее поклонник.

Артист может выбрать песню из каталога готовых у сонграйтера: смотрит, видит – эта нравится. Иногда сонграйтеры сами стучатся к артистам: «Посмотрите, есть такая песня, вдруг понравится». У известных авторов даже есть менеджеры, которые приходят к музыкантам и продают слова и музыку.

Еще вариант – песню могут написать на заказ, как в модном бутике. Артист понимает, что хочет трек в определенном стиле: например, кальянный рэп про любовь. Допустим, аранжировкой музыкант занимается сам, а вот помощь со словами не помешала бы. Артист идет к автору, и начинается индивидуальная работа: сонграйтер пишет песню по заказу. Есть топовые авторы, к которым часто обращаются адресно. Но чаще артисты все-таки стараются покупать уже готовые песни из каталогов: проходятся по разным авторам, смотрят, слушают, «примеряют», выбирают.

Часто бывает так: артист приобретает песню, а потом адаптирует ее под себя. Например, оставляет только припев, а куплеты переписывает. Сонграйтеры даже песни на продажу часто выкладывают в урезанном варианте – припев и куплет. Второго куплета, как правило, нет: демка длится минуты полторы. Это экономит авторам время. Артист после покупки дописывает куплет или что-то меняет: дорабатывать часто проще, чем делать с нуля.

Иногда найти песню помогают паблишеры. Это компании, которые сотрудничают с авторами слов и музыки: связывают их с артистами. Сотрудники паблишеров анализируют песню и думают, кто бы мог ее спеть. Например, они считают, что песня идеально подходит Полине Гагариной. Компания связывается с ней и предлагает эту песню спеть. Допустим, она соглашается и готова ее купить. Часть денег достается автору песни, часть – компании. Чаще всего паблишеры работают за процент.

Начинающие музыканты часто думают, что, если купить песню у автора хитов, она тоже станет хитом. А никаких гарантий нет. Потому что, кроме пары хитов, этот сонграйтер написал еще сто песен, которые не знает никто.

Еще бывает так: артист купил песню у известного сонграйтера, а она как-то не качает. Музыкант не может повторить фишку трека. Обычно демки продают сразу с черновым вокалом, чтобы было понятнее, как звучит песня. Музыкант покупает, а сам спеть так же не может. Фишка песни была в исполнении, тембре, голосе, и она теряется.

Сколько стоит песня

Хорошую песню можно найти по цене от 50 тысяч до 300–400 тысяч рублей, если сонграйтер очень популярный. Права зачастую передаются артисту навсегда. Иногда авторы песен работают частично за фиксированную цену, а частично за процент. Например, 100 тысяч сразу, а потом процент с дохода.

В России за песню чаще всего платят фиксированный гонорар. Во времена расцвета пиратства хиты приносили артисту и автору песни скорее известность, нежели доход. А сейчас они действительно дают возможность зарабатывать нормальные деньги. В других странах сонграйтеры часто работают за процент с продаж. Например, в США: автор написал песню и просит за нее 10 %. Трек стал хитом и заработал 1000 долларов. Сонграйтер получил 100 долларов. Как отследить доходы – вопрос другой: это сложно, останавливаться на этом не будем.

Аранжировка

Итак, вотесть слова и музыка: условно, вы придумали песню и можете ее напеть. У вас есть структура. Теперь нужно доработать этот набросок, сделать его эмоциональнее, расставить акценты – это и будет аранжировка. То есть слова и мелодия – «что», аранжировка – «как».

Аранжировка привязывает трек к определенному звучанию и стилю. Возьмем всем известную новогоднюю песню Jingle Bells. Ее можно сыграть на фортепиано, гитаре, барабанах, да хоть на саксофоне. Кроме того, разные инструменты могут по-разному «общаться» друг с другом. Кто-то кричит, а кто-то шепчет; кто-то лидирует, а кто-то мнется в сторонке. А еще у одного варианта может быть длинное напевное интро, а другой сразу начнется с задорного припева. Это все – аранжировка: и набор инструментов, и то, как они взаимодействуют друг с другом и с вокалом.

Одна и та же песня в разных аранжировках может звучать совершенно по-разному – и, как следствие, понравится разным аудиториям. Допустим, вы не музыкант, а художник. Можно сказать, слова и основная мелодия – это выбранный вами сюжет. А как вы это сделаете – нарисуете все реалистично или абстрактно, в технике пуантилизма или кубизма – это аранжировка.

Как артисту найти свой звук

Аранжировка сильно влияет на успех трека. Представьте, что кто-то сыграл песню I Hate Everything About You группы Three Days Grace на гитаре и напел слова. Основная мелодия сохранилась, но пропало напряжение в начале и последующие паузы, беспокойные барабаны и драматический накал. Как думаете, какой из вариантов будет легче продвигать?

Чтобы понять, как аранжировка влияет на восприятие трека, можно послушать одну и ту же песню в разном исполнении. Например, Beggin' – ее кто только не пел. Вот возьмем исполнение Madcon. Это регги, там длинное интро. А у Måneskin уже другое: яркая гитара, рок-вокал с хрипотцой.

У каждого жанра есть свои особенности в аранжировке. Но чтобы стать классным музыкантом, недостаточно следовать канонам. Мастера учитывают каноны, но обязательно добавляют в музыку что-то свое. Например, «Ленинград» в какой-то момент играли в жанре ска-панк. Этот жанр появился в 70-х годах прошлого века и набрал популярность в 1990-е. Для него характерны активные духовые и отсутствие синтезаторов. «Ленинград» же добавили в него что-то свое – творчески переработали.

Обычно артист сам понимает, какой звук ему нужен. Помните, мы говорили, что со словами и музыкой все на что-то ориентируются – пусть и неосознанно? Важно найти свой звук. А как именно вы его найдете и какой он будет – это уже другой вопрос. Это как художник, у которого свой почерк. Например, Ван Гог – постимпрессионист, но все равно у него свой узнаваемый стиль в рамках этого движения.

Вообще универсальных советов тут мало. Главное – аранжировки ваших композиций должны вызывать яркие эмоции: как мы уже говорили, шоу-бизнес именно про это. Аранжировка популярной песни может состоять только из гитары: артист быстренько в микрофон записал, а зрители рыдают.

Некоторые артисты пишут аранжировки сами. Это круто: как и с сонграйтингом, можно сразу подстраивать аранжировку под свой стиль и выпускать больше материала. Знаем такой пример: артист покупал биты, а во время карантина научился делать аранжировки сам. Если у вас есть желание, время и возможности, можно тоже попробовать освоить этот навык.

Как и в случае с сонграйтингом, артист может покупать готовые аранжировки. Он изучает работы аранжировщиков и выбирает, какие заготовки песен ему нравятся. С аранжировщиками-битмейкерами иногда так же: например, артист увидел в каталоге аранжировщика бит в стиле Кендрика Ламара, ему понравилось, купил права на бит, написал песню на его основе. В хип-хопе и рэпе чаще бит идет впереди всего: музыкант отталкивается от него и подстраивает под бит все произведение. А вот в других жанрах иногда артисты ищут аранжировки для песни, которую уже придумали: наброски есть, надо поискать, как их можно красиво обернуть.

Чаще бывает так, что аранжировку делают на заказ. Иногда у артиста с аранжировщиком получается творческий тандем. Например, Джастин Тимберлейк плотно работал с Тимбалэндом. Найти такого партнера – большая удача. Обычно музыкант слушает аранжировки, ему нравится стиль и почерк аранжировщика, они пробуют сделать песню. Иногда это ни во что не перерастает, а иногда получается долгое сотрудничество – оба варианта совершенно нормальны.

Создание аранжировки требует вдумчивой и слаженной работы музыканта и аранжировщика. Это настоящая химия, в результате которой трек будет собран правильно – не просто красиво, но и удобно и для исполнителя, и для слушателя: все сильные моменты выделены, места для отдыха оставлены, нужные эмоции вызваны.

Где и как искать хорошего аранжировщика

Можно найти профи, которые работали над вашими любимыми песнями. Другой вариант – есть сообщества с аранжировщиками, где они могут выкладывать свои работы. Хоть группы «ВКонтакте»: можно по ключевым словам найти, послушать, что вам нравится.

Исторически сложилось так, что в России за аранжировку платят фиксированную сумму. Мало кто работает за процент – а если и работает, то только с известными исполнителями. Ну и суммы могут быть самые разные – от 20 до 300 тысяч.

У начинающих артистов часто встречается такое заблуждение: если аранжировщик работал над хитом, следующий его трек тоже станет популярным. Почему это не всегда так? Допустим, вышел поп-хит. К аранжировщику сразу сбежались артисты с предложениями написать гениальное и для них – образовалась лавина заказов. Среди них есть и другие жанры: электроника, рэп, регги, инди. Как правило, каждый аранжировщик специализируется на чем-то одном: если он круто умеет делать обработки для поп-музыки, у него не обязательно хорошо получится инди. Наслушанность у такого мастера, как правило, лишь в определенном жанре. Технически он сделает правильно, но слушатели поймут по мелочам, что он не шарит.

Запись

Cтруктура есть, аранжировку придумали, теперь нужно записать материал. Это можно делать дома или в студии. Обычно происходит так: дома артист репетирует, делает черновик – демку. Это можно сделать хоть на телефон. Главное – определить, как будет звучать трек: структура, настроение, где какие инструменты. А вот для финальной версии уже можно снять студию. Чем больше отрепетируете и подготовитесь, тем быстрее получится чистовик.

Даже если записываете в студии, советуем собрать базовый комплект оборудования дома. Мы часто видим, что людям не хочется с этим возиться: «Зачем, если в студии всё сделают?» Но вот в чем штука: в студии вы воспроизводите чистовик, который отрепетировали.

Представьте, что вы пишете картину. Можно сказать, вам сразу нужно рисовать на холсте: нет времени на создание эскизов и черновиков. Так и с треком: в студии нет времени экспериментировать. Даже если есть – иногда просто некомфортно делать это при других людях. А вот дома можно послушать, как голос звучит в разных тональностях, покривляться, попробовать исполнить по-разному: повыше, пониже, с хрипотцой. Это помогает найти свою фишку. Короче, советуем держать у себя базовый комплект в любом случае. А писать финальный трек можно в студии.

Расскажем, какая аппаратура понадобится для домашней студии. Это информация для новичков, которые хотят начать нормально делать музыку. Продвинутые музыканты работают уже на другом уровне, но все с чего-то начинают. Базовый набор для экспериментов такой: микрофон, звуковая карта и мониторинг. Для более продвинутых версий понадобится звукоизоляция. Кратко пройдемся по этим приборам и покажем, на что обращать внимание среди сотен характеристик.

Микрофон. Самые популярные микрофоны – динамические и конденсаторные: они работают по-разному. Не будем углубляться в тонкости: для нас важно, что у них разная чувствительность.

Динамический микрофон хуже улавливает далекие звуки: он слышит только те, которые совсем рядом. Его используют на выступлениях и мероприятиях: там как раз много далекого шума, который нужно опустить. А вот для студийной записи он не очень подходит: голос близко, оттенки передаются плохо, звук менее детализированный. Если когда-нибудь пели в караоке, там обычно динамические микрофоны: на них еще школьники рэп записывают.

Лучше купить конденсаторный микрофон: он гораздо чувствительнее и поймает даже шепот – а в некоторых треках это нужно. На концертах его невозможно использовать, а вот для студийной работы – самое то. Звук получается мягче, чище и натуральнее. Но некоторые ребята работают и с динамическими, так что это не жесткое правило. Про другие характеристики микрофонов говорить не будем, ведь книга не совсем об этом. Просто послушайте, как ваш голос воспринимают разные микрофоны. Прислушайтесь к своим ощущениям. Кто-то в один микрофон приятнее звучит, кто-то в другой. Пробуйте. Нормальный конденсаторный микрофон для демок можно купить за 12 тысяч рублей. Для финальных записей подороже: тысяч 80 уйдет.

Звуковая карта. Устройство, которое преобразует аналоговый звук в цифровой вид и обратно. Условно говоря, ток – в единички-нолики. Если карты нет, ничего записать не получится: профессиональный микрофон просто так к компьютеру не подключишь.

Есть микрофоны, в которые звуковые карты уже встроены: это USB-микрофоны. Они подключаются к компьютеру напрямую – через USB-порт, как флешка. Зачастую звук у них не очень качественный: для подкастов сгодится, а вот для треков слабовато. Можно попробовать записывать демки, но лучше купить отдельную звуковую карту.

Хорошую звуковую карту можно купить и за 20 тысяч рублей. Разница между звуковыми картами за 20 и 100 тысяч обычно в количестве каналов. Чем больше каналов, тем больше источников можно подключить. Например, если нужно записывать гитару и голос одновременно, вам понадобятся минимум два канала. Для дома два канала – выше крыши: чаще всего вообще нужен один.

Мониторинг. Когда записываете трек, важно слышать, как он звучит. Для этого есть разные приборы мониторинга. Обязательно нужны наушники – они бывают открытого, полуоткрытого и закрытого типа. Лучше берите последние: они не пропускают звук вовне, и его слышно только артисту. В наушниках открытого типа звук просачивается наружу: условно, если кто-то сидит рядом, ему слышно, что играет у вас в наушниках. Эти звуки попадают в микрофон – а значит, и в запись.

Хорошие наушники можно купить меньше чем за 10 тысяч рублей. Опять же, на этом этапе вам не обязательно нужно кристально чистое звучание. Главное, чтобы вы слышали себя хорошо.

Ну и компьютер: для записи подойдет любой. Для аранжировок и сведения – уже другая история, тут потребуется машина помощнее. Программу тоже можно выбрать ту, что вам по душе: Cubase, Nuendo, Ableton, Logic Pro, Studio One. Для демки этого хватит.

Звукоизоляция. Если планируете писать в домашних условиях более качественный материал, нужно подготовить комнату. Вы даже не подозреваете, сколько посторонних звуков проникает в квартиру. Сосед снизу слушает радио, машина едет по улице, лифт поднимается в подъезде, кто-то моет руки в соседней комнате – всё это может просочиться в трек, если в студии не будет звукоизоляции.

Если делать все по уму, нужно обращаться к специалистам, которые проектируют студии. Они устанавливают кучу оборудования. Придется оклеить стены, пол и потолок специальным материалом, установить басовые ловушки и много всего еще. Получится такое помещение в помещении. Еще и замерят показатели, чтобы убедиться: звук получается чистый. Если заморачиваться со звукоизоляцией, она может выйти дороже, чем все остальное оборудование.

Скорее всего, дома так сделать не получится, а записывать хочется. Не всегда удобно идти на студию, чтобы поэкспериментировать. Помогут локальные меры – например, установка акустических панелей. Раньше они стоили очень дорого, но сейчас появились российские производители: стоит около 10 долларов за квадратный метр. Или можно поставить акустический экран. Он похож на ширму: ее помещают за микрофон и она гасит часть отраженного звука.

Студии: что учитывать и как выбрать

Студия – это не только помещение и микрофон. Это и оборудование, и атмосфера, и звукорежиссер, который участвует в записи. Он настраивает техническую часть: подбирает микрофон, делает дубли, помогает собрать из нескольких спетых партий идеальную. Может дать советы: спеть фрагмент громче или тише, выше или ниже, подойти к микрофону или отойти от него и так далее.

Если студия профессиональная, не за 100 рублей час, оборудование в ней будет приличное. Поэтому можно не заморачиваться и выбирать место по атмосфере, в которой вам комфортно. Кому-то нравится, когда звукорежиссер подсказывает и помогает. А кого-то это раздражает. Или влияет само пространство: если студия темная, неприятная, маленькая, в ней бардак, может быть некомфортно. В гробу сложно чувствовать вдохновение.

В среднем для записи нужно снимать студию на три-четыре часа – этого хватает с запасом. Но не все артисты могут столько работать. Это сложно и морально, и физически. Поэтому начать можно с пары часов.

Начинающие артисты совершают несколько ошибок при выборе студий. Первая – они смотрят, кто из известных ребят там записывался. Это бесполезно: практически в любой студии кто-то записывался, это почти ничего не говорит о качестве студии. Может быть, артист туда пришел один раз и больше не возвращался.

Вторая ошибка – начинающие артисты с деньгами часто хотят попасть в самую дорогую студию. На начальном этапе это не очень разумная трата. Если есть деньги, лучше снимите обычную студию, а остаток вложите в продвижение и контент. В самых дорогих студиях стоит какое-нибудь хитрое оборудование, которое вам пока не нужно. Когда понадобится, вы поймете и будете искать его целенаправленно.

Сведение

Вот у вас записано несколько звуковых дорожек. Например, вокал, гитара, ударные, бас и бэк-вокал. Их предстоит свести в единый микс. Тут иногда начинается хаос: бочка и бас звучат в одно время, и бочку еле слышно. Или все в порядке, но трек звучит плоско – пресно, неинтересно. Это можно исправить на сведении – одно сделать потише, другое подчеркнуть, добавить динамики или пространства.

Например, на сведении нужно создать частотный баланс. Звук может быть высоким, средним или низким. Высокие частоты часто «выпрыгивают» вперед и перетягивают на себя внимание. Если высокие и низкие партии играются в одно время, громкий звук заглушит тот, что потише. Чем больше таких «конфликтов», тем грязнее звучит микс. На сведении эти «конфликты» убирают.

Иногда артисты не уделяют сведению должного внимания. Частенько на нем экономят: записывают треки дома на слабенький микрофон и потом никак не вытягивают звук. Без хорошего сведения финальный вариант звучит как демка. Из-за этого сложно увидеть красоту трека, и он не качает, потому что звучит грязно. Если отправить такую песню лейблу, потенциал материала могут не заметить. Раньше сведение и запись были разными этапами: сначала звук записывали, а потом сводили, так что этап никак не пропустишь. Сейчас все делается на компьютере, границы этих этапов размываются, есть соблазн забить на сведение. Частично сведение можно начать уже при записи: например, в синтезаторе есть обработка вроде реверберации или панорамирования.

Обычные слушатели тоже чувствуют разницу. Они не объяснят, что именно не так: просто скажут, что вариант с хорошим сведением звучит круче. Это как с дизайном. Если вам показать сайт профессиональной студии и дизайнера-новичка, вы наверняка определите, где что.

Частые ошибки в сведении

Вот что мы наблюдаем чаще всего в треках начинающих артистов и что советуем исправить прежде, чем начинать продвижение. Иначе выйдет так, что вы тратите деньги, продвигаете трек, а слушатели чувствуют, что что-то в нем не то.

Голос не слышно. Иногда у начинающих артистов инструменты звучат громче вокала. Даже не разберешь, что там артист поет, приходится вслушиваться, чтобы понять. Мозг в такие минуты недоволен. Конечно, это может быть такой художественный прием: например, в треках Скриптонита слова не всегда разборчивые. Или у группы «Молчат дома»: особенно ярко это ощущается в треке «Судно». Создается такой мрачный эффект. Еще так часто делают в роке: вокал будто утоплен в аранжировке. Но чтобы это было кстати, надо постараться. В большинстве случаев это звучит не как художественный прием, а как недоработка.

Треки перекомпрессированы. Тут для начала надо разобраться, что такое компрессор аудиосигнала. Это устройство или программа для управления динамикой звука. Представьте, что есть подарочная коробка. В нее кладут пышный букет, и если какие-то веточки не помещаются, их обрезают. Коробки есть разных размеров: если она маленькая, веточки обрежут больше, если огромная – почти не тронут. Компрессор – это такая коробка для звука. Все, что громче определенного порога, компрессор «обрежет» – сделает потише. Соответственно, тихие звуки станут казаться погромче. Зачем это нужно? Затем, что звук становится плотнее. Когда все сделано аккуратно, это дает необходимую динамику. А если передавить, получается уныло. Обычно этим грешат начинающие звукорежиссеры, и в итоге звук получается сдавленным.

Слишком много басов. Например, в хип-хопе обычно бас очень любят. Он должен давать треку энергию, поэтому естественное желание артиста – выкрутить бас на максимум. Но часто это делают при слабом мониторинге, где просто не слышно всех нюансов. Условно, в колонках все ок, но вот трек включили на больших клубных мониторах – и там все поехало, люди в шоке.

Попытка сделать каждый инструмент звучащим идеально. Условно: солируем гитару и сводим так, чтобы она звучала супер – жирно, красиво, с деталями. Потом делаем то же самое с вокалом, ударными, прочим. Но когда доходит до наложения, начинаются проблемы. Финальный микс получается неразборчивым, грязным. В хорошем миксе важна гармония. Например, отдельно ваша гитара может звучать неполноценно и урезанно, но в правильном миксе она будет давать приятный перебор по краям. Это может стать фишкой трека.

Нужно учитывать, что у каждого жанра свои особенности в сведении. Например, в классическом R'n'B кристально чистый и сухой звук, мало инструментов, не очень много пространства. А у каких-нибудь Nirvana правила другие: там инструменты как будто занимают больше места, у них широкий частотный диапазон, стена звука, широкое звучание.

В разные времена есть мода на определенную обработку. В музыке 80-х много реверберации: почти везде был объемный, «выпуклый» звук. Помните, мы говорили: если сейчас так свести, будет звучать как-то не так. Сейчас наоборот – тренд на звук посуше. Хорошие инженеры по сведению знают эти особенности и обязательно их учитывают. Поэтому и не стоит пропускать этот этап. Тут все как мы говорили про тренды: во внимание принимать стоит, но не зацикливаться, добавлять свое.

Кому поручить сведение

Артисты редко сводят треки сами. Из наших знакомых так делает только один музыкант – и то потому, что у него в этом большой опыт. Из всех этапов в производстве трека сведение требует больше всего опыта и знаний: нужно разбираться во множестве технических нюансов. Например, нужно знать, каким должно быть оформленное акустически правильно помещение. Это необходимо, чтобы слышать меньше отраженного звука и лучше понимать, что же у вас в треке происходит. Нужно слышать частотные конфликты, понимать и чувствовать баланс громкостей, хорошо владеть всеми инструментами вроде компрессоров, эквалайзеров, ревербераторов и знать их особенности. Только настоящие профессионалы хорошо ориентируются в тонкостях обработки звука: вот это подойдет для гитары в этом миксе, а это – для барабанов.

Научиться писать аранжировки можно за полгода, если очень постараться. Классными аранжировщиками бывают и подростки. Для качественного сведения нужен гораздо больший опыт, даже если инженер сведения очень талантливый. Конечно, и тут могут быть исключения, но в любом случае сведение – это этап, за который не возьмешься без подготовки и практики.

Если аранжировку можно написать дома, сводить нужно в правильных акустических условиях. Хотя инженер сведения сидит за компьютером, пространство все равно нужно подготовить. Как правило, в комнатах стены обработаны: нужны конструкции, которые поглощают звук. Подробно объяснять не будем: суть в том, что без специальной подготовки сведение не сделаешь.

Почти все инженеры по сведению работают с фиксированной оплатой: за трек либо почасовая. У начинающего можно и за 2 тысячи свести, конечно, но в среднем хорошего инженера по сведению можно найти за 20–30 тысяч рублей.

Мастеринг

Когда машину моют, в конце ее еще и полируют, чтобы блестела. Так и с треком: вы уже всё записали и свели, осталось только подшлифовать. Это и есть последний этап – мастеринг. Может показаться, что это уж точно необязательно. Ну как вам сказать: мы не раз видели треки до мастеринга и после. Артисты сами замечают, что стало чище, прозрачнее, громче. Прямо понимаешь: ага, теперь ближе к той коммерческой музыке, которую слышишь по радио. Поэтому расскажем и о мастеринге: что нужно сделать на этом этапе.

Максимизировать громкость трека. Вот представьте: кто-то включает плейлист в Spotify на домашней колонке. Первая и вторая песни звучат одинаково громко. А третья чуть тише. Слушатель даже не поймет, что дело в громкости: просто песня как-то не заходит. Хотя на самом деле она не хуже остальных – а может, даже и лучше.

Исправить незначительные ошибки сведения. Условно, мы сводили на плюс-минус хорошей аппаратуре. Мониторы нормальные, но не самые лучшие. И получилось так, что низкие частоты на тех мониторах казались тише, чем они есть на самом деле. Как правило, это не очень большие отклонения, но на звук они влияют. Задача мастеринга – устранить все эти досадные недочеты.

Можно ли обойтись без этого этапа? Да, но радость экономии будет недолгой: небезупречный звук никому не идет в плюс. Вы сводите трек в определенных акустических условиях. У вас конкретное оборудование, студия. А люди будут слушать не в студии, а вообще непонятно где. Кто-то включит в наушниках в самолете, где на фоне что-то гудит. Кто-то будет слушать в клубе, где на фоне смеются пьяные студенты. Если в сведении что-то запороли, это обязательно выплывет. Без мастеринга ни о какой уверенности в том, что при любых условиях ваша музыка будет звучать хорошо, речи быть не может.

Совмещать сведение и мастеринг могут только опытные студии или звукорежиссеры. Логично, что топовые артисты работают с топовыми аранжировщиками, звукорежиссерами, настолько опытными и крутыми, что мастеринг не требуется: артисту сразу присылают финальные версии треков. Это исключительные случаи, когда над обработкой музыки работают гуру на классной аппаратуре. Если у вас все именно так – это здорово, но если нет и свои треки вы как-то сводили сами, им совершенно точно необходим мастеринг как завершающий этап.

Не нужно возлагать на мастеринг слишком большие надежды. Бывает, музыкант делает сведение тяп-ляп. И думает, что если отправит это на мастеринг в крутую студию, то там ему сделают конфетку. Но так не бывает. Сведение – критически важный этап для качества. Даже слабенький трек можно свести так, что с точки зрения коммерции он будет классно звучать. А вот если сведение хиленькое, мастеринг не вывезет. Никакой полировкой «жигули» до «Порше» не дотянешь.

Часто артисты посылают свои треки зарубежным студиям, стараясь докрутить финально у классного специалиста. У нас как-то мастеринг делали на Abbey Road Studios – студии, где записывались The Beatles. Мастеринг по сравнению с другими этапами стоит не сумасшедших денег. Поэтому и можно отправить куда-то за границу: это будет стоить от 200 долларов. К тому же сам процесс получается не сильно протяженным по времени: мастеринг одного трека занимает у профессионала час-два.

Теперь вы знаете, где чаще всего недорабатывают начинающие музыканты, если говорить именно о технике и чистоте. Пора переходить к релизам: когда всё чистенько, можно и выпускать.

не просто выложить трек, но и поставить в лучший плейлист

Глава 3

Лейблы и дистрибьюторы

Вот у вас готов трек: вы его записали, свели, отдали на мастеринг. Все готово. Теперь песню предстоит донести до слушателей. Первым делом нужно сделать так, чтобы она оказалась в музыкальных сервисах, иначе где людям слушать трек. И желательно, чтобы трек еще и попадался там людям на глаза. Представьте: заходит человек с утра в «Яндекс Музыку», а там в плейлисте «Громкие новинки месяца» ваша песня. Человек ее послушал, лайкнул, рассказал про вас другу: тот тоже решил послушать. Зашел в «VK Музыку» и нашел вас по имени. Вот чтобы это всё могло произойти – один увидел в классном плейлисте, другой зашел в сервис и нашел вас, – нужна дистрибуция.

Дистрибуция – устоявшийся термин в музыкальном бизнесе. Раньше это означало «Привезти пластинки в магазины, чтобы люди могли их купить». Сейчас – «Сделать так, чтобы трек появился на музыкальных платформах». И в идеале не просто возник в глубинах каталога, а стал заметным, чтобы люди видели его в плейлистах, подборках, рекомендациях.

Два понятия, которые появляются на этапе дистрибуции, – дистрибьютор и лейбл. В этой главе мы посмотрим, в чем разница и чем каждый из них помогает артисту, а также разберем тонкости работы с ними.

Дистрибьютор – это компания, которая загружает треки на платформы: «Яндекс Музыка», Apple Music, «VK Музыка» и другие. Теоретически можно самостоятельно приходить к каждой площадке и договариваться, но это сумасшествие. Платформ слишком много, они не любят работать с артистами напрямую, у всех свои правила. Известных стриминговых сервисов – пять-шесть, но есть еще много не таких популярных: Deezer, Amazon Music, Boomplay, Beatport. Их тоже кто-то использует, и артисты получают деньги с прослушиваний. Даже в TikTok загружают треки как на отдельную платформу. Так что затащить треки на площадки реально только через дистрибьютора.

Можно сказать, что дистрибьютор – это такой технический менеджер. Вы даете ему трек, а он делает так, чтобы песня оказалась на разных платформах. Иногда дистрибьюторов еще называют агрегаторами: это абсолютно одно и то же.

Лейбл в первую очередь занимается продвижением. Например, может попросить, чтобы «Яндекс Музыка» поставила ваш трек в плейлист с горячими новинками. Иногда у лейблов есть свои плейлисты на площадках: их слушает лояльная аудитория – люди, которые знают, что их любимый лейбл ерунды не выпустит. Часто лейблы помогают с продвижением и вне музыкальных платформ: договариваются с блогерами о рекламе, выбивают треку место на радио. Конечно, все это не бесплатно: чаще всего лейбл берет процент с прибыли.

Дистрибьютор – это только загрузка треков на платформы, а лейбл – еще и продвижение. Если вы обратитесь к лейблу напрямую, к агрегатору идти уже не придется. У крупного лейбла точно есть связи с площадками или партнер-дистрибьютор, который берет загрузку на себя. К примеру, у Warner Bros., Sony, Universal Music и других крупных лейблов есть договоры с Apple: они могут напрямую отгружать туда материал. У лейблов поменьше нет прямого доступа к площадкам, но есть свой дистрибьютор на подхвате.

С кем работать – с лейблом или дистрибьютором?

Тонкости и условия работы с лейблами и дистрибьюторами мы опишем дальше. Сейчас попробуем вместе с вами разобраться, к кому из них стоит идти.

По сути, у вас есть два варианта. Если вы хотите только загрузить треки, можно просто найти дистрибьютора. Их много: есть платные и бесплатные, открытые и закрытые. Вы отдадите треки дистрибьютору, он загрузит их на кучу музыкальных платформ. Всё, на этом его работа закончилась. Продвигать треки вы будете самостоятельно.

Если же вам хочется получить помощь в продвижении, можно попробовать найти лейбл. С ним дело точно пойдет быстрее, особенно когда дело касается начинающего артиста без опыта в дистрибуции. Артисту сложно работать с дистрибуцией самостоятельно. У лейбла много связей и инструментов, у начинающего артиста такого нет. Например, лейбл хорошо знает музыкальных редакторов, которые составляют плейлисты и подборки: это поможет треку получить дополнительные прослушивания.

Давайте представим, что есть два начинающих артиста без связей и аудитории. Один решил заняться дистрибуцией сам. Второй не пожалел времени, отправил заявки разным лейблам, и ему повезло: крупный лейбл заинтересовался и предложил сотрудничество.

Вот как будет выглядеть процесс дистрибуции для артиста без лейбла и для артиста с лейблом.

Дальше разговор выходит за рамки дистрибуции, но заглянем и туда. Артисты хотят пробиться на радио. Можно сказать, без лейбла шансы почти нулевые: конечно, артист может написать самостоятельно, но, если его имя не на слуху, вероятность попасть в эфир очень маленькая. Для крупного лейбла это вопрос пары звонков. Тут часто всё решают неформальные связи. Менеджер лейбла может написать своему знакомому с радио чуть ли не так: «Есть классный трек, поставите? Кстати, мы ужинать идем, присоединяйтесь».

Представим, что у обоих артистов есть работа помимо музыки: им же надо как-то зарабатывать на жизнь. Первый артист пишет треки по вечерам, выдыхается и устает. Времени на контент у него нет: ему хотя бы следующий трек дописать. Второму артисту повезло – он так понравился лейблу, что тот дает ему аванс: «Держи, ни о чем не думай, только пиши музыку, пожалуйста». Конечно, это еще не прибыль от треков: аванс нужно еще отбить, вернуть деньги лейблу. Но все равно можно сосредоточиться на музыке и не переживать, что нечем будет платить за квартиру.

Конечно, все описанное выше очень приблизительно, но разница понятна. По нашим наблюдениям, чем опытнее артист, тем вероятнее, что он будет работать с лейблом. Если зайдете в любой стриминговый сервис и посмотрите релиз даже того артиста, который кажется независимым, там наверняка будет указан лейбл.

Сперва людям страшно, что их обманут, поэтому они все делают сами: отгружают музыку, продвигают треки, следят за статистикой. Но постепенно устают, набивают шишки, теряют деньги. И приходят к лейблу. Другое дело, что к хорошему лейблу не так просто попасть, а еще нужно внимательно читать договор.

Вывод такой: если вы начинающий артист, можно хотя бы попробовать получить поддержку лейбла. Если не вышло – ну что ж, можно начать с дистрибьютора.

Лейблы: тонкости работы

Допустим, артист решил попробовать работать с лейблом. Расскажем, на что тут важно обратить внимание: какие могут быть подводные камни и как читать договор.

Есть два варианта работы. Первая схема – лейбл закрывает все потребности артиста: снимает клипы, организовывает концерты, занимается соцсетями, пиаром и так далее. И при этом получает деньги со всех источников дохода – рекламных контрактов, концертов, стриминга. Можно сказать, лейбл тут как партнер по бизнесу. Это называется «работа на 360 градусов». Так работают Black Star, Gazgolder, Velvet Music.

Вторая схема – лейблы продвигают отдельный контент артиста. Например, какой-то трек или альбом. Зарабатывает лейбл тоже только на этом контенте: скажем, берет процент со стриминга при продвижении альбома. Например, так работает «Монолит Рекордс». Лейблы могут совмещать эти схемы: с какими-то артистами работать по релизам, а с какими-то – по всем фронтам. Например, так делают Zion Music или «Первое музыкальное». Мы, UpSound, тоже работаем в таком формате.

Как попасть на лейбл

Очевидных или волшебных путей нет. Лучше всего зайти через знакомых. Например, у артиста есть знакомый менеджер лейбла: он может показать демку или отправить заявку от своего имени на почту.

Еще вариант – записать совместный трек с артистами лейбла. Иногда это проще, чем попасть на лейбл напрямую. Когда у вас есть рекомендация от проверенного человека, вероятность, что ваш трек послушают, возрастает. Кроме того, лейбл будет продвигать этот трек – значит, послушает его не раз.

Можно найти почту лейбла и отправить свое демо. Иногда артисты думают, что почту никто не читает. Это не так: читают. Конечно, письмо может улететь в спам, затеряться в потоке сообщений или у менеджера будет плохое настроение. Но этот способ рабочий. Если ваш материал хорош, пробиться вполне вероятно.

Если вы начинающий артист, мы советуем написать всем лейблам, которые работают с вашим жанром. Если у вас поп-музыка, бессмысленно обращаться к лейблу, который выпускает джаз или техно.

Теперь о том, как именно писать. Иногда артисту кажется, что чем красочнее он расскажет лейблу про свою жизнь и любовь к музыке и чем больше материала приложит, тем лучше. На самом деле не совсем так. Попробуйте посмотреть на себя глазами лейбла. Он ищет артистов, на которых можно заработать. Поэтому у письма одна цель – показать, что вы перспективный артист. Используйте две составляющие: классный материал и доказательства, что вы интересны людям. Если про артиста никто не слышал, но трек гениальный, лейбл заинтересуется. И наоборот – если песня средненькая, но пишет артист уровня Дани Милохина, это тоже интересно.

Короче, вам нужно написать кратко, емко, с убедительными доказательствами – и так, чтобы с вашим материалом было удобно познакомиться. Мы тоже работаем как лейбл: когда нам присылают материалы, мы видим в письмах одни и те же недочеты. Расскажем, как их избежать.

Не пишите, что вы начинающий артист. Это звучит так, как будто вы просите себе скидку. Кажется, что менеджер прочитает и подумает: «Если он такие треки пишет, как начинающий, что же будет, когда он станет опытным». Никто так не думает. Если треки не подходят лейблу, никто не будет делать скидку на то, что у вас мало опыта, и давать вам шанс. Кроме того, треки у начинающих артистов часто не самые профессиональные. Так что у читающего сразу есть предвзятость: раз начинающий, скорее всего, там сырой материал.

Не пишите подробную биографию. Часто артисты описывают весь свой жизненный путь: где они родились, выросли, учились, кем работали, почему занимаются музыкой. Особенно плохо, когда всё пишут без разбивки на абзацы: получается простыня воспоминаний. Может показаться, что подобная информация хорошо раскрывает артиста как личность, но на этапе знакомства с лейблом это лишнее. Во время знакомства за вас говорят ваши треки или то, что у вас уже есть лояльная аудитория. Из биографии можно указать только то, что напрямую связано с музыкой. Например: «Участник рэп-баттлов в интернете: с них и начинался творческий путь. На этом поприще у меня много достижений, но самое примечательное – второе место на крупном баттле Talgar».

Можно упомянуть еще что-то, что может стать преимуществом в музыкальной карьере. Например, что раньше вы были автором песен и написали несколько хитов. Или что вы разбираетесь в производстве клипов и визуальном образе артиста, потому что раньше снимали ролики. Как Илья Найшуллер, который занимается и кино, и музыкой.

Можно указать, что у вас есть лояльная аудитория, если она и правда есть. Например, две песни были в топ-чарте «VK Музыки». Или у вас 10 тысяч подписчиков в социальных сетях. Или что-то из вашей музыки звучало на радио.

Не пытайтесь разжалобить. Бывает, артисты рассказывают в письме печальную историю о том, как им тяжело. Они с детства мечтали стать музыкантами, долго учились, трудились, не спали ночами. И даже бросили работу, но никто не может оценить их творчество, лейбл – единственная надежда. На это тоже никто не купится: из жалости с артистом работать не будут. И вообще такое отталкивает: мало кто любит работать с нытиками.

Не надевайте корону. Бывает, артисты пишут так, как будто они очень важные и занятые: «Вот вам треки, я жду предложений». Мол, у меня нет времени, чтобы с вами общаться, и вам придется за мной побегать. Это выглядит странно: артист написал лейблу первый, но пытается обставить это так, будто сделал одолжение. Высокомерие отталкивает, и, кроме того, создается впечатление, что с такой «звездой» и потом придется непросто. Что интересно, когда общаешься с большими артистами и их менеджерами, такого обычно нет. А вот начинающие частенько так делают.

Не присылайте демки. Иногда артисты отправляют менеджерам лейбла демку и пишут: «…я тут вот накидал, послушайте». У лейбла нет времени, чтобы слушать черновики неизвестных артистов: скорее всего, их даже не будут открывать. Еще частый случай – артист присылает трек с ремаркой: «Мне самому не очень нравится, но вдруг вы оцените». Демки уместно присылать только в случае, если вы автор и хотите продать песню исполнителю. Тогда да, присылать демки – в порядке вещей.

Проследите, чтобы менеджеру не пришлось скачивать треки: это неудобно. Лучше поставить ссылку на площадку, где их можно сразу послушать: например, на SoundCloud или YouTube.

Не присылайте все ваши треки. Иногда артисты прикладывают ссылку на огромный архив: «У меня 15 альбомов, послушайте, вдруг вам что-то понравится». Никто не будет слушать даже один альбом: менеджер лейбла выберет случайный трек или вообще закроет письмо. Поэтому выберите и пришлите несколько лучших треков, два-три. Можно упомянуть, что у вас есть еще материал, но вы пришлете его потом, если лейблу будет интересно.

Лучше не советоваться со всеми подряд, когда выбираете треки для отправки лейблу: доверяйте своему вкусу. Спрашивать знакомых музыкантов с академическим образованием рискованно: чаще всего их утонченный вкус вообще не совпадает с мнением обычных слушателей. Человек с профильным образованием скорее выберет что-то сложное и необычное.

Если можете, лучше посоветуйтесь со знакомыми менеджерами артистов, продюсерами и вообще людьми из музыкальной индустрии. Но помните: никто не может предсказать, какой трек станет хитом, опытные менеджеры лейблов и те ошибаются. Так что присылайте треки, которые вам нравятся, да и все.

Присылайте треки сразу. Особо подозрительные артисты пишут: «Вы сначала подтвердите, что не украдете мою музыку, а потом я пришлю». Или просто: «Добрый день, хотел бы вам показать треки» – и дальше ничего.

Предполагается, что менеджер должен ответить: «Хорошо, показывайте». Так лучше не делать: лейблам приходит много материала каждый день – и на почту, и в социальных сетях. На нашей памяти никто еще не крал треки новых артистов. Тем более вы защищены законом с того момента, когда создали трек. Но об этом мы еще поговорим позже.

Не ставьте в копию несколько лейблов. Иногда одно и то же письмо приходит 20 лейблам. Менеджер открывает письмо, а там еще куча адресатов. Конечно, все понимают, что артисты отправляют треки разным лейблам, но в одном письме это делать невежливо. Это производит нехорошее впечатление, интерес к такому артисту отпадает. Напишите лейблам отдельно: много времени это не займет, а выглядит приличнее.

Оставляйте контакты. Иногда менеджер получает письмо, хочет обсудить с артистом условия, а в письме нет телефона. Если материалы его заинтересуют, он ответит на письмо или найдет контакты в интернете – что-нибудь придумает. Но лучше не усложнять ему работу: пусть все контактные данные будут на виду. Увидел, позвонил, сразу начали обсуждать сотрудничество. И никому не нужно ничего искать.

Рассмотрим на примере начинающей артистки Кати, как выглядят неправильное и правильное письма.

Как не нужно:

Доброго времени суток! Я начинающая артистка, мне всего 20 лет. Я родилась в Сыктывкаре, но вскоре мы с семьей переехали в Краснодар. Я играю на пианино с восьми лет. Я учусь на филолога, но музыкой занимаюсь потому, что это мой способ познавать мир. Для меня музыка – это способ разговаривать со Вселенной, моя особая философия. Я посвящаю свои песни своим страхам и радостям, они основаны на личном опыте, отражают мои внутренние переживания. Моя цель – стать известным артистом и собирать стадионы. Пока что никто не оценил моего творчества, но я очень надеюсь на вас: вы – мой главный шанс. Присылаю вам ссылку на мои два альбома, там в основном демки. Если честно, я думаю, они пока не до конца готовы, но вдруг вам что-то понравится. Жду ваших предложений.